rokokko kunstnere

Den primære forskjellen mellom barokk og rokokko kunst er at barokk beskriver den store, overtydelig, dynamisk sen-europeisk kunst mellom 1650 og 1700, mens Rokokko er en sen-barokk svar som er nedfelt lys lekenhet og mer intimitet. Under barokken, kunst reflektert styrken i katolisismen og royalty ved kroppslig overflod og ornamenter. Rokokko perioden oppsto etter dødsfallet av Louis XIV i 1715 med begynnelsen av en mykere og mer avslappet alder. Dette ble reflektert først i kunsthåndverk, som interiørdesign ble lettere og mer dekorative, og deretter i maleriet, som kunstnere brukt asymmetri og leken sin spesielle måte som en uformell tolkning.

Mens både barokk og rokokko ble sentrert i Europa, begynte barokk i Roma og ble sterkt påvirket av den romersk-katolske kirke, som støttet religiøse temaer i maleri og kunst som en reaksjon på forhånd av protestantismen. Rococo begynte i Frankrike og ble omfavnet av det franske monarkiet før den spredte seg til det meste av resten av Europa. Både barokk og rokokko var en forlengelse av de stilistiske endringene som kjennetegner renessansen. Hver ble preget av forseggjorte detaljer og bevegelse, men barokk var tyngre, maskulin, og mer alvorlig. Rococo var lettere og mer feminin.

Barokk og rokokko hver reflektere de dominerende filosofier av de tider der hver stil blomstret. Barokken vokste ut av en økt interesse for naturalisme som fremskritt ble gjort i astronomi og vitenskap. Kunst av denne perioden ble stadig mer aktiv og dynamisk, portretterer bevegelse gjennom tid og rom, og samtidig beholde noen elementer av klassisisme og sterkt religiøse temaer.

Begrepet "barokk" kan ha blitt avledet fra det portugisiske ordet barroco, noe som betyr en grov perle med en uregelmessig form. Det var ment som en nedsettende betegnelse for å beskrive hva kritikerne mente var en altfor dekorativ, teatralsk perversjon av den klassiske stilen. Det ble lagt vekt på sanselige visuell representasjon av immaterielle symboler, som med Rubens og Bernini, at noen følte var glorete og ekstrem.

I motsetning til barokk, rokokko kunstnere lente bort fra religiøse temaer i favør av krumlinjet former og repeterende, naturalistiske, organiske former i dekorasjonen. Rococo begynte som en bevegelse i interiørdesign og flyttet inn i arkitektur, musikk og malerier av æra. Da franske konge forlatt Versailles for å tilbringe mer tid i Paris, kunst reflekteres dette mer avslappet livsstil og omfavnet de mer uformelle omgivelser i byen. Fagstoffet ofte tatt en bit av ondskap, som i Fragonard "The Swing", en asymmetrisk gjengivelse av en ung dame sparker av hennes sko på statuen av guden for skjønn mens svingende høyt over hennes kjæreste strukket ut på bakken. På svært ulike måter, både barokk og rokokko kunst reflekterte en ny interesse for å forstå den fysiske verden som førte til fødselen av den moderne verden.

  • Caravaggio var en berømt barokkartist.
  • Rembrandt var en berømt barokkartist.
  • Barokk kunst ble sterkt påvirket av den romersk-katolske kirke, som støttet religiøse temaer i maleri og kunst.
  • Barokk begynte i Roma.
  • Under Rococo æra, portretter var en viktig del av maleriet.
  • Rokokkostil er mer lys og leken enn den staselige barokk stil.

Selv om Rococo bevegelsen aldri fikk fotfeste på britisk jord, engelske kunstnere fortsatt følte sin innflytelse som en frisk bris fra over Den engelske kanal. Uten å bli flamboyant, en ny og lettere utseende som oser engelsk kunst. De to ledende britiske malere av perioden, Thomas Gainsborough og Joshua Reynolds, ble begge påvirket av fransk Rococo kunstneren Antoine Watteau samt italienske renessansen og barokken kunstnere og nederlandsk og flamsk maleri. Den tredje store 18. århundre britiske maleren var William Hogarth.

William Hogarth

De treplaten utskrifter av William Hogarth (1697-1764) karikatur overklassen engelskmenn. Hogarth var en av de få artistene fra perioden som brukte sitt talent til å kritisere og håne de øvre klasser: sine utskeielser, ekstravaganse og moralsk fordervelse. Han hadde trent for å bli en gravør og senere byttet til maleriet. Men gravør i ham aldri døde. Faktisk gjorde han skjærer ut noen av hans malerier slik at han kunne selge flere kopier av dem. Smart fyr.

Hogarth malerier ligne teaterstykker - i dette tilfellet, komedier av manerer. Han skapte serie malerier som forteller historier som tegneserier; hvert maleri er et kapittel i historien. Hans første moralsk maleri serien kalles en skjøge Progress. Det var en sensasjon. Serien skildrer konvertering av et land bumpkin til en by prostituert og følger henne gradvis nedgang. Hogarth skildrer selv kvinnens vemmelig død og begravelse - som en moralsk leksjon.

Han fulgte denne serien med en ny hit, The Rake Progress. Dette malt Historien følger den moralske sammenbruddet av Tom Rakewell. I en av episodene, The Orgy, drikker Tom selv inn i en døs på et bordell. Selv om en prostituert kjærtegner brystet hans, ser han også kvalm å legge merke til. I den mørke bakgrunnen, en tjener som holder ut et stearinlys ser på skrekk på scenen. Den endelige maleriet i serien finner Tom Rakewell i en galning asyl.

Selv Hogarth malerier og graveringer er ment å være moralske leksjoner, føles kunsten hans aldri belærende. Hvert maleri er oversvømt av underholdende og ofte humoristiske detaljer.

Thomas Gainsborough

Malerier av Thomas Gainsborough (1727-1788) har perfekte manerer. Alt og alle er på sin rette plass. Hans spesialitet var portretter av engelsk lavadelen og aristokrater og sunne engelske landskap.

Han begynte som landskapsmaler, men fant ut at male portretter var mer lønnsomt. Likevel, Gainsborough aldri forlatt landskapsmaleri. Han plasserte ofte sitt land damer og herrer i den sedate engelske landsbygda. For eksempel, i hans store portrett Mr. og Mrs. Andrews, som ligger ved National Gallery i London, utgjør Gainsborough den elegant kledd Andrews par i en vakker sen-dagen, countrys. Mrs. Andrews, iført en blå taffeta kjole og spisse, rosa fløyel tøfler, ser ut som hun er klar til å gå til opera, men hun er rolig i hennes landlige omgivelser. Mr. Andrews, med sin trofaste engelsk Whippet ved sin side, synes klar for en Foxhunt. Men hans elegant hvit jakke og hvit slange er ikke opp for en rustikk kort tur. Som nessekongene, de er veldig mye i sitt rette element. Men de har tydeligvis aldri løftet en hoe. De eier landet, men de fungerer ikke det. Faktisk ser landskapet som det er blitt temmet av hans pistol og hennes kjole. For å lette deres komfort, plantet Gainsborough en utsmykket smijern benk midt i enga. Benken på som damen perches og på hvilken mannen lener seg videre skiller dem fra landskapet at de dominerer.

Sir Joshua Reynolds

Sir Joshua Reynolds (1723-1792) førte Italia til England. Han hadde studert i Roma 1750-1752 og deretter tatt Grand Tour i Italia. Sterkt påvirket av Michelangelo, Raphael, Titian, og manieristiske Giulio Romano, importert han det han kalte "stor stil" til England. Som den første presidenten i Royal Academy of Art, Reynolds bidratt til å forme kunstnerisk smak i hele Storbritannia.

Reynolds håpet å bringe italiensk fagstoffet til England, også - i særdeleshet, mytologiske og historiske maleri. Men britiske smak tilbøyelig mot portrettkunst; 16th- og 17. århundre utenlandske malere som hadde jobbet i England, som Hans Holbein og Anthony van Dyck, fokusert på portretter, hjelpe fostre en smak for den slags maleri.

Så ut som hans rival Thomas Gainsborough, Reynolds malte portretter. Den mest slående forskjellen i sine stiler er i hvordan de poserte sine modeller og innebygd dem i sine omgivelser. Gainsborough modeller sitte som de poserer for sitt bilde mellom slurker te; bakgrunnen er nettopp det - bakgrunn. De stedfortreder ikke samhandle med det. Tallene i Reynolds portretter er nesten alltid aktiv og dramatisk eller poetisk viet til landskapet.

Reynolds innlemmet landskapene han fant i italiensk kunst i hans portretter av engelske lorder og damer, spesielt etter 1760. Ofte, plasserte han engelsk kvinner i Italianesque innstillinger aksent med en gresk søyle eller byste eller en romersk bue eller lettelse. Ofte damene slitasje strømmer romerske kjoler og gjøre store eller poetiske gester. Reynolds ble så inspirert av Romano at han faktisk lånt positurer og selv figurerer fra hans malerier. Han sa: "Genius... Er barn av imitasjon."

Hogarth, Gainsborough, og Reynolds gjorde skape en verdensklasse engelsk School of maleriet som Reynolds hadde håpet. Den neste store skolen av engelske kunstnere, den Prerafaelittene, bygget på sine prestasjoner, først og fremst ved å gjøre opprør mot estetikk Reynolds.

Det finnes flere typer av moderne kunst stiler som har blitt en integrert del av kunsthistorien. Disse ulike perioder av moderne kunst begynte i midten av 19-tallet og kommet inn i 1970-tallet. Mange av de moderne kunstnere som produserte verker i denne tidsrammen bidro til å definere en eller flere stilarter som ble en del av den større bevegelse. De ulike typer moderne artister inkluderer impresjonister cubists, pointillists, dadaistene og surrealistene. De fleste av de typer av moderne kunst fokusert på å utvide sjangeren ved å utfordre tidligere holdt visninger av hva visuell kunst er.

Impresjonismen var en av de første malemetoder som bidro til å innlede moderne kunst. Moderne kunstnere som praktiserte impresjonismen avvek fra tradisjonelle, realistiske maleteknikker og i stedet fokusert på å gjenskape følelsen av en scene eller emne. De erstattet områder av farge for strenge former og stolte mer på oppfatningen og følelsen av et maleri enn på realistiske detaljer.

I motsetning til de noen ganger eteriske lys, mørk og farger av impresjonisme, kubisme flyttet mot å finne sterke former. Selv om navnet antyder firkanter eller terninger, moderne kunstnere som praktiserte kubisme var faktisk mer opptatt av å dekonstruere en scene eller gjenstand inn i noen form for primitive geometriske former, ikke bare kvadrater. Disse siste scenene utforsket sammensetning som det knyttet til linjene og romlige relasjoner av skjemaene opprettet.

Metoden for pointillismen utviklet på slutten av det 19. århundre som nye typer maling og pigmenter oppsto. Pointillism er en metode der en kunstner bruker små prikker eller smørerier med maling for å danne et større bilde. sett på nært hold, prikkene er klart synlig. Hvis en seer skritt fra maleri, men prikkene flette sammen for å avsløre hele bildet. Lyset og skyggeeffekter som kan oppnås gjennom pointillismen er unike, men kan være svært tidkrevende å lage.

Dadaisme var en unik form for kunst som dukket opp som en reaksjon på hendelsene i første verdenskrig I. Dada bevegelsen bevisst søkt å lage brikker som var den direkte motsatt av tidligere aksepterte former for visuell kunst. Dadaistene skapt verker ofte som var absurd eller som var tilsynelatende tilfeldig. Den ultimate fokus for dadaismen var å gi kritisk kommentar om kulturelle virksomheter som kunstnerne følte var skadelig.

Emerging fra dadaisme, surrealisme tok kunsten inn i en verden av bestemte uvirkelighet. I motsetning til kunstnere som gjorde portretter eller landskapsmalerier, surrealister malte bilder som eksisterte bare i fantasien. Fagene i surrealistisk kunst varierer sterkt , men sjangeren i seg selv er vanligvis identifisert av uensartede eller tilsynelatende urealistiske fremstillinger av gjenstander og steder. Mange surrealister følte at deres gjerninger var uttrykk for en filosofi, teori eller ideologi og ikke alltid strengt fokus på estetikk maleriet selv.

Abstrakte kunstnere fjernet alle grenser fra deres form for visuelt uttrykk. I motsetning til surrealismen, som fortsatt ofte hadde noen gjenkjennelig objekt i maleri, abstrakt kunst fokusert mer på uttrykk for en unquantifiable følelse eller tanke. Selv om abstrakt kunst kan defineres svært vidt, mange brikker forsøke å utforske et aspekt som bevegelse eller sammensetning med ukonvensjonelle maleri metoder, former eller medier som ble dekoblet fra gjengivelsen av virkelige objekter.

I midten av det 20. århundre, en spredning av grafikk og bilder begynte å strømme inn gjennomsnittlig boliger gjennom reklame, magasiner og innpakning design. Noen moderne kunstnere fant at dette utgjorde et medium i seg selv og begynte å skape kunst fra kulturelle referanser som ikke var, generelt, ment for å være kunst i første omgang. Denne formen for kunst ble kjent som populær kunst, eller popkunst. popartister brukt standard produkter og bilder fra populærkulturen for å skape kunstverk som uklare linjer mellom hva som var kunst og hva som var funksjonell, kommersiell design.

  • Impresjonistisk stil maleri.
  • Surrealistiske kunstinstallasjon på utsiden av Dali-museet.
  • Kubisme involvert dekonstruere et motiv eller scene i geografiske former.

The Art Nouveau perioden fra ca 1895 til ca 1915, var en tid da kunstnere skapt en ny stil mest kjent uttrykk i smykker, møbler, interiør og arkitektur. Mange vanlige objekter som brukes i dagliglivet, som for eksempel bestikk og middagsservise, ble opprettet i Art Nouveau-stil i denne perioden, som kunstnere av skolen ønsket å kombinere kunstneriske sensibilities med nytten. Works of Art Nouveau perioden vanligvis bærer visse egenskaper, for eksempel lange, flytende linjer, en vekt på objekter fra den naturlige verden, og besettelse med det feminine figur. Fargevalg var ofte svært undervurdert, og fokusert på kjedelig nyanser av grønt, brunt og gult kombinert med nyanser av lilla, lavendel og blå.

Skolen av kunst kjent som Art Nouveau var mest populære i England, Tyskland og Frankrike, med land hver skaper sine egne stiler av Art Nouveau. Franske verk av Art Nouveau er generelt kjent for sin bruk av linjer for å skape figurer, spesielt planter og feminine tall. Kvinneskikkelser, spesielt med lange flagrende hår, var en populær utsmykningen på Art Nouveau stykker. British Art Nouveau stykker tok sin innflytelse fra landets pre-romerske arv, med vekt på rene linjer brukes til å danne Celtic-inspirerte mønstre.

Mange verk fra Art Nouveau perioden understreke temaer av naturen og den naturlige verden. Kunsthistorikere mener at fremskritt i botanikk i hele det 19. århundre oppmuntret etableringen av kunstnerisk-inspirerte hvitevarer, smykker, møbler og arkitektoniske blomstrer som betalte hyllest til den naturlige verden. Mange stykker fra Art Nouveau perioden derfor innlemme blomster, slanger og insekter i sine flytende, rokokko-inspirert design. Orkideer, valmuer, og iris ble ofte inkludert i Art Nouveau design, som var øyenstikkere, fugler og sommerfugler.

Håndverkere som arbeider i Art Nouveau perioden gjorde opprør mot den strengt utilitaristisk, masseprodusert, og fantasiløs natur mange av forbruksvarer på tilbud i løpet av den senere delen av det 19. århundre. Masseproduksjon av konsumvarer var i sin spede begynnelse på denne tiden, og mange håndverkere av Art Nouveau skolen mente disse tidlige masseproduserte varer manglet estetisk skjønnhet. Works of Art Nouveau perioden ble i stedet preget av rokokko kunstverk av forrige århundre. Mange tror at japanske kunstnerisk innflytelse kan sees i Art Nouveau stykker, siden verk av japansk kunst var ganske populær i Europa i løpet av begynnelsen av det 19. århundre.

  • The Art Nouveau perioden var inspirert av den tidlige Rococo periode.
  • Art noveau ofte omtalt plante- og blomstermotiver.
  • The Art Nouveau perioden inkludert arkitektur med buer og buede linjer.

Oljemaling er en blanding av farge (pigment) og olje (medium). Maling er vanligvis blandet av kunstneren for hvert enkelt prosjekt. Blandingen av pigment med et medium er grunnlaget for vellykket oljemaling. Oljemaling involverer anvendelsen av oljemaling i lag på et lerret eller en annen overflate.

Vanlig brukte medier er linfrø, valnøtt, og valmue frø oljer. Medier har ulike egenskaper. Linolje tørker den mest grundig så det er ofte brukt på de nederste lagene av oljemalerier. Linolje har en tendens til gul farge, slik at det er vanskelig å bruke med lysere pigmenter. Valmuefrø olje er den minste gulfarging av mediene, og er også den tregeste til å tørke. Det er ofte brukt i hvitt og lysere farger så vel som på de øverste lagene av et oljemaleri.

Olje maling påføres i lag for å oppnå ønskede farger og teksturer. Tykkere maling vil produsere mer tekstur, noen ganger avsløre penselstrøk. Tynnere maling er mer gjennomsiktig åpner for etablering av fargevariasjoner. Lagene med oljemaling er fullstendig avgjørende for prosessen.

Den primære prinsippet om oljemaleri er regelen om "fett over mager." Slankere maling, maling blandet med mindre mengder olje, må brukes i henhold fetere maling, pigmenter blandet med mer olje. Slankere maling trenger å gå under fetere maling fordi de tørker raskere enn de med mer medium. De nederste lagene av et oljemaleri må inneholde mindre olje fordi de vil absorbere noe av mediet av maling lagvis oppå dem. Maling med mindre olje vil tørke raskere enn fett maling. Hvis de øverste lagene av et maleri tørke før de nederste lagene, vil malingen sprekke.

Oljemaling tørker ikke ved fordampning som de fleste malinger. Oljemaling tørker ved oksydasjon, som er en mye langsommere tørkeprosessen. En ny olje maleri blir tørr å ta i ca to uker. Det vil være tørr nok til å avslutte med en lakk i omtrent seks til tolv måneder. Et oljemaleri blir ikke behandlet ferdig tørking inntil det er 60 til 80 år gamle.

Fordi oljemaling forbli vått for så lang tid, er det mulig for en kunstner å endre farger og teksturer mens du arbeider på et maleri. Hele lag med maling kan fjernes fra et pågående arbeid med en fille og terpentin eller alkohol. Når malingen har begynt å tørke, kan malingsfjerning krever skraping.

Opprinnelsen til oljemaling dateres tilbake til romertiden. Shields dekorert med oljebasert maling ble antatt å være mer holdbar enn de uten.

  • Siden oljemaling bli våt så lenge, kan kunstnere endre farger og teksturer mens du arbeider på et maleri.
  • Tilstedeværelse av olje i maling legger tekstur til penselstrøk.
  • Linolje er et vanlig medium blandet med pigment i maling.
  • Valnøttolje er ofte brukt i oljemaling.
  • Olje maling tørr ved oksidasjon, så de satt mye saktere enn andre malinger.

Folk vanligvis først slå til tradisjonelle farging metoder for å lage påskeegg, dyppe dem i beholdere av vann, konditorfarge og eddik. Enkeltpersoner kan også se på utradisjonelle teknikker, men, som å bruke silke stoff. Andre måter å dekorere egg inkluderer banding, bruke klistremerker og liming elementer til skjellene. Tegning og maling også fungere, som ikke bruker sticker- eller skissere stil sjablonger. Innpakning og bruke voks er to ekstra valg.

Tradisjonell Farging

Tradisjonell fargelegging er trolig den vanligste dekorere metode for påskeegg, og det er svært barnevennlig og enkel. Den grunnleggende fremgangsmåte innebærer å tilsette konditorfarge i litt varmt vann i kopper, sammen med litt eddik for å hjelpe til farging trenge gjennom skallet bedre. Egg gå inn i løsningen til de når ønsket deepness av farge, og de fleste bare fiske dem ut av kopper med skjeer. Etter at de kommer ut, de lufttørke. Mange bruker dette som utgangspunkt for mer forseggjort design.

Folk som ønsker å hoppe over den kunstige konditorfarge velger ofte frukt, grønnsaker og krydder for å sette farge på eggene sine. Paprika eller gul løk kan skape oransje fargetoner, mens alle som noen gang har hakket rødbeter er kjent med den røde fargen som er lett igjen. Blåbær og kål kan gi blå nyanser, kan spinat brukes til grønt, og sitron skreller og gurkemeie kan brukes til å lage gult. Ingrediensene kokes i vann for å ekstrahere deres naturlige fargestoffer og væsken blir kombinert med eddik å hjelpe fargesett.

Banding

En enkel måte å sprite opp tradisjonelle farging er å pakke eggene med gummistrikk. Nøyaktig hvordan de er pakket inn og hvor mange som brukes er opp til kunstneren, men de trenger å være stram nok slik at de ikke rulle og løsne. Når de er på en sikker måte, kan designeren dypp eggene i farging som han normalt ville. Når gummibåndene er fjernet, vil plassen de dekket være hvit, men det er helt akseptabelt å dunk eggene igjen i samme eller en annen farge for å få litt pigment på disse områdene. Noen mennesker fargestoff eggene først - for eksempel kan et egg være farget gul, deretter bundet, så dyppet i blå farge, slik at det viser seg grønn med gule striper.

Utradisjonell Farging

En mer ukonvensjonell metode for farging er å bruke utklipp fra silkebluser, bånd og lignende klær. Disse går rundt rå egg, sikret med bånd eller streng, og deretter legges i en gryte med kokende vann med et par spiseskjeer av hvit eddik i minst en halv time. Fargestoff fra stoffet vil overføre til skjellene, ofte forlater en vakker design.

En annen unik stil innebærer innpakning påskeegg i tørkepapir dynket i eddik. Kunstneren gjelder da dråper 02:59 farger konditorfarge uansett hvor han liker, la den suge inn håndkleet. Når innpakning kommer av, vises skjellene tie-farget.

Klistremerker

Enkeltpersoner ofte til klistremerker for en meget problemfri måte å lage et design. Barna kan fullføre disse i en svært kort periode, og det er ingen risiko for å få flekker på klærne. Det er vanlig for folk å plukke klistremerker med en påske tema, men de kan være basert på hva noen liker. Tallet som brukes er også helt opp til Crafter.

Ved hjelp av gamle frimerker er en variant på klistremerket idé. Dette er en god idé for samling entusiaster, eller for folk som ønsker å få litt mer av en antikk eller akademisk preg. Det er ikke nødvendig å kjøpe nye frimerker for dette, som et individ kan rett og slett limet de fra gamle brev til skjellene.

Liming

Liming krever ingen farging, selv om en person kan farge påskeegg før denne prosessen hvis han vil. Ved hjelp av en sterk, klar fag- eller klebrig lim, folk legger ulike lette elementer til skjellene. Et eksempel som ofte gir svært imponerende resultater i løpet av sekunder er å rulle dem i glitter, og enkeltpersoner også legge frø for et mer naturlig utseende. Mer forseggjort design kan inneholde elementer som knapper, bånd, konfetti, silkepapir, gull løvsprett og perler. Noen ganger, disse er lagdelt å skape en meget profesjonell decoupage utseende, men mange mennesker gå for en mer "søt" tilnærming, å gjøre enkle-men-bedårende dyr, insekter og fugler.

Tegning

Tegning design er et godt valg for folk som ønsker en nei-spill måten å skape et bilde på et egg. Kunst penner og blyanter fungerer bra, selv om noen mennesker liker å bruke kalk, markører eller andre verktøy, for eksempel pasteller. Noen av disse er utsatt for tilgrising, ofte så alvorlige kunstnere bruker kopper eller andre bukseseler for å redusere mengden av rørende, og de vanligvis frakk skjellene med en klar laminat å beskytte design når de er ferdig.

Sjablonger

Håndverkere kan også bruke sjablonger for å dekorere sine egg. Med en type som er som et klistremerke, er det mulig å dekke deler av skallet med design først, og etter farging, kan designeren skrelle sjablongen av, forlater bildet bak. Den andre typen er en fleksibel film, vanligvis av vokspapir eller plast, som legges rundt skallet. Hull i filmen la en person bruke maling eller skissere en form ved hjelp håndverk og kunst penner eller blyanter. Begge typer er bra for folk som ønsker å gjøre intrikate bilder, men som kanskje ikke nødvendigvis har ferdigheter eller avstand og forme perspektiv å gjøre det uten en guide.

For de som ønsker litt mer teft, en rask triks som får imponerende resultater er å kutte nylon for å tjene som garn når døende egg. Designere sette blader og blomster mot skjell og bruke nylon for å holde dem på plass under farging. Når de får skyggen de ønsker, pakke de nylon og fjerne blader eller blomster, og etterlater hvite avtrykk. For en delikat, vintage look, en person også kan farge eggene etter innpakning dem i blonder.

Maleri

Svamp maleri med hobbymaling eller konditorfarge er et alternativ som selv små barn kan gjøre. Enkeltpersoner kan bruke alle en farge og la noen hvite viser, eller de kan blande flere farger sammen og skape en strukturert, lagdelt utseende. Noen mennesker liker å dekke hele egg, mens andre liker å legge bare en dash av farge. Precut skum maling svamper fungere bra for å få renere former eller design, og er vanligvis svært rimelig i håndverks-avdelinger, men egentlig vil noen ren svamp gjør. Folk kan også skape en flekkete effekt ved sprut maling på skjell med en gammel tannbørste.

Hvis en person er litt mer trygg i sine kunstneriske evner, kanskje han vil prøve å bruke ulike størrelser og stiler av pensler for å dekorere sine egg. Jo finere børste, jo større detalj en kunstner kan vanligvis få. Folk liker ofte å lage detaljerte vintreet, blad og blomst design, men hva noen avbilder er helt opp til den enkelte - noen mennesker har selv gjort portretter av familiemedlemmer eller deres favoritt tv-tegn. Enkeltpersoner kan også eksperimentere ved å bruke elementer som tannpirkere i stedet for børster.

Innpakning eller Dekk-

Innpakning eller blanke er en teknikk som kan brukes på egen hånd eller sammen med fargelegging. Et populært alternativ er å vikle alle eller noen av egget med farget tråd eller garn, eller alternativt, med tynne strenger av små perler. Andre mennesker hekle eller strikke "genser" at egget går inne. Noen individer skape streng kroker med disse metodene slik at de kan henge opp sine ferdige design som pyntegjenstander.

Wax Application

Bruk av voks er en måte noen kan lage et bilde. Ved hjelp av fargestifter eller andre vokspinnene, enkeltpersoner tegne hva de liker på egg og deretter farge det som vanlig. Etter dette, smelte de av voks for å avsløre sin design. Det er godt å bruke mørkere farger for å gjøre kontrasten mellom fargen og bildet litt mer dramatisk. Denne teknikken har blitt brukt i århundrer i Ukraina, der det er kjent som pysanky.

Betraktninger

Folk vanligvis har to valg når det gjelder prepping sine påskeegg. De kan enten hardt koke dem, eller de kan punktere små hull i skallene til å blåse ut innmaten. Den første er vanligvis best for barna, fordi det gir noen holdbarhet. Den andre metoden fjerner elementet som til slutt vil ødelegge, og derfor er utmerket for design folk vet at de vil ønske å holde for en lang tid. Blåser egg er ikke alltid det beste alternativet, men fordi uthule skallet gjør det mye lettere å bryte.

  • Rosa påskeegg.
  • En jente og gutt male påskeegg.
  • Den tradisjonelle måten å dø påskeegg i en løsning laget av eddik, vann og fargestoff.
  • Paprika kan legges til vann og eddik og brukes som en oransje fargestoff påskeegg.
  • Konditorfarge lagt til eddik brukes til å dekorere påskeegg.
  • Akrylmaling kan bruke til å dekorere påskeegg.
  • Knappene kan brukes til å lage påskeegg mer fargerik.
  • Ekte frukt, for eksempel blåbær, kan brukes til å dekorere påskeegg.
  • Strenger av fargerike perler kan brukes til å dekorere påskeegg.
  • Gurkemeie pulver kan brukes til å lage et lyst gulfarge.
  • Spinat kan brukes til å skape en grønn farge for påskeegg.
  • Hvit eddik brukes i en enkel prosess for å gjøre fargestoffer for påskeegg.
  • Mange barn elsker å gå på påske egg jakt med sine dekorerte påskeegg.

Det er to aspekter til tatovering omsorg: omsorg for en ny tatovering, og omsorg for en tatovering i løpet av sin levetid. Begge er kritisk, for å sikre at en tatovering forblir klar, skarp og vakker. En tatovering som har blitt godt tatt vare-for vil se bra godt inn i alderdommen, mens forsømte tatoveringer vil tendens til å falme og uskarphet, noen ganger overlate til formløse og uforståelige blobs.

Omsorg for en ny tatovering er det første trinnet i omsorg for en tatovering over sine liv. Håndtering av en tatovering godt under healing er viktig, som en helbredende tatovering er svært sårbare for skader. De fleste tatovering kunstnere gi spesifikke tatovering ettervern instruksjoner basert på egen erfaring, med instruksjoner vanligvis inkludert en skånsom vask av området flere ganger om dagen, etterfulgt av en anvendelse av fuktighetskrem eller tatovering ettervern produkt. Enkeltkunstnere forskjellig, imidlertid. Noen, for eksempel anbefale å holde tatoveringen dekket til enhver tid under helbredelsesprosessen, mens andre oppfordrer til sirkulasjon av luft over ny tatovering.

Som en generell regel, rengjøring en ny tatovering innebærer bruk av en mild såpe og varmt vann, med milde virvlende bevegelser av hånden til såpe området uten å forstyrre skorper av tatoveringen. Tatoveringen skal skylles og enten klappet tørr eller lov til å lufttørke, snarere enn gnidd, da dette kan trekke skorpene av. Mange tatovering kunstnere anbefaler også å gå lys med fuktighetskrem, som tetter porene med en fuktighetskrem kan forstyrre healing. Kremer som brukes i tatovering omsorg bør ideelt sett være uparfymert, som parfymer kan irritere en ny tatovering.

Det er noen områder av enighet i tatovering ettervern. En ny tatovering skal alltid holdes ute av solen, som solskader kan ødelegge en tatovering i de første ukene. Det er også viktig å huske at en tatovering er et sår, utsatt for potensialet for infeksjon, så hender bør alltid vaskes før håndtering området, og tatoveringen bør holdes ute av vann, skitt og andre urene miljøer. Hvis folk ikke klarer å observere disse grunnleggende reglene for tatovering omsorg, kan en ny tatovering bli infisert eller betent, noe som ikke er ønskelig. Det er også viktig for å unngå riper på skorper på en ny tatovering, uansett hvor kløende blir de.

Når en tatovering er leget, er tatoveringen behandlingsprosessen ikke over. Tatoveringer bør beskyttes mot solbrenthet i løpet av sin levetid, så solkrem skal alltid brukes på tatoveringer som er utsatt for sol. Tatoveringer kan også bli forvrengt gjennom raske vekttap eller gevinst, eller som et resultat av kirurgiske prosedyrer, som er noe å vurdere når du tenker på plassering av en tatovering. Noen tatoveringer kan også kreve touchups løpet av deres levetid. Mange kunstnere retusjering sitt eget arbeid på liten eller ingen kostnad, i en form for livstidsgaranti, mens touchups på andres arbeid kan være dyrere. Nødvendigheten av touchups i tatovering vare varierer, avhengig av plasseringen av tatoveringen, fargen, og legemet. Noen tatoveringer kan kreve ingen retusjeringen i det hele tatt, mens andre kan ha behov for rutinearbeid for å skjerpe linjer, lyse farger, og mørkere svart blekk arbeid.

  • Noen foreslår å holde en ny tatovering dekket opp hele tiden, mens andre foreslår en ny tatovering bør utsettes til friluft.
  • Nypåført tatoveringer må tas vare på slik at de ikke brytes ned.
  • En ny tatovering skal alltid holdes ute av solen.
  • Tatoveringer er sårbare for skader mens de er healing.
  • En tatovering maskin.
  • Bare salven anbefalt av kunstneren skal brukes på en ny tatovering.

Hva er Cat Collars?

April 16 by Eliza

Cat collars er nyttig, trygt og dekorative band som klippet rundt kattens hals. I motsetning til hundens halsbånd, som brukes for trening og gå i bånd, er katten krage utformet for å holde identifikasjon koder i tilfelle katten din blir borte eller skadet. Selvfølgelig, de er også mote luksus når funklende med strass eller flankert av frodige fløyel.

Cat collars er vanligvis utstyrt med en spesiell utbryter mekanisme som frigjør hele kragen bør katten din bli fanget på et tre gren, gjerde pigg, eller noen annen utvekst. Siden katter kan klatre, Scurry, og krype omtrent hvor som helst, er det viktig at deres krage har en sikkerhetsmeldingen for å holde dem fra å kvele seg selv. En riktig passform betyr at du kan bare passe to av fingrene mellom krage og kattens hals.

Den viktigste funksjonen av standard katt halsbånd holder identifikasjon koder. Disse vil fortelle folk kattens navn, ditt navn, adresse, telefonnummer, og til og med din veterinær og befinner seg, i tilfelle en skade skulle oppstå. Spesielt for utendørs katter, som ofte vandrer langt hjemmefra og ikke returnerer til middag, er det viktig for dem å bære ID-kodene. Selv innekatter kan flykte fra et åpent vindu, og kan bli returnert hvis de hadde på seg en krage.

Eiere bekymret deres katter 'tilbake med tilbud av drepte fugler, mus eller andre dyr kan kjøpe katt halsbånd med bjeller eller alarmer. Disse vedlegg varsle andre dyr som en stealthy rovdyr kan være stalking dem, slik at de har en sjanse til å løpe vekk. Dette kan være en enkel sølvklokke eller en bevegelsessensor lydsystem. En annen nyttig funksjon du kan finne på katten krage er striper eller flekker av reflekterende materiale, ligner på en syklist klær. Om natten, gjør denne katten din synlig for en møtende bil for å hindre dem fra å bli truffet.

Morsomme og apropos design kan være vevd inn i nylonbånd katt halsbånd også. Noen humoristiske favoritter er fiskebein, labb utskrifter leopard flekker og tiger striper, og skitte mus. Mer sofistikerte bilder kan være hjerter, blomster, måne og stjerner, Twining vinstokker, eller sunbursts. Skinnkrager kan være farget forskjellige farger eller brent med andre motiver.

Ekstremt prydkatte krager har blitt skapt av dyreelskende kunstnere som tilpassede mote uttalelser for ditt kjæledyr. Disse personlige krager kan sådd med rosa rhinestones, besatt med miniatyr sølv pigger, eller brodert med navn et kjæledyr i metallisk floss. Dette er like mye et kunstverk som de er en funksjonell krage. For spesiell katt som mottar deres mat i en krystallskål og sover på en silkepute, ville dette være den perfekte gaven.

  • Cat collars ha id-koder som identifiserer katten og eieren og er mest behov for i utendørs katter som kan streife for langt hjemmefra.

Å gjøre et rom ser større involverer flere ulike dekorere teknikker som arbeider i kor. Noen involverer lure den besøkendes øyne, mens andre involverer å endre rommets tydelig perspektiv. Det er utrolig hva speil, maling og vinduer kan gjøre for å legge til en følelse av dybde til alle rom.

Den første og kanskje mest vanlig fix for mindre rom er tillegg av speil. Feste speilet glass paneler til veggen på motsatt side av inngangs vei til et lite rom. Hele veggen ikke trenger å være dekket av speil for å være effektive. Noen ruter plassert i øyehøyde kan skape en illusjon av ekstra plass. Selv en eneste stor kommode speil med ramme kan legge dybde til et rom. Den eneste virkelige faren i å bruke speilene ligger i kill.

Å ha et stort bilde vindu kan gjøre et rom virker større fordi en barriere mellom besøkende og utenfor visningen er fjernet. Stedet for å se en dimensjon definer vegg, besøkende se en ekspansiv utsikt over utendørs. Cut-throughs mellom rom kan også hjelpe hvert rom virker større.

Møbler kan grupperes forskjellig i et mindre rom for å gjøre det virke større. I stedet for sentre et stort bord og bygge rundt det, kan huseiere bryte av rommet i separate samle områder. Stoler kan grupperes rundt mindre sofabord i hjørnene, og enkelte området tepper kan definere områder. Vegg til vegg-tepper kan gjøre et lite rom virke enda mindre, spesielt hvis trafikkområdet rundt elementer virker overfylt.

En siste plass utvidelse trikset innebærer maling. Dyktige kunstnere kan skape tredimensjonale veggmalerier som lure betrakteren inn å se mer dybde i rommet. En vegg kan være dedikert til en utendørs scene gjort i et naturlig perspektiv. I mindre målestokk, lysere nyanser av malingen har en tendens til å skape en større grad av luftighet og plass. Kombiner en lysere farge ordningen med mindre biter av møbler for å fullføre en illusjon av mer plass.

  • Speil kan bidra til å gjøre en liten plass ser større.
  • Området tepper kan brukes til å definere områder i et rom.

Gi et kjæledyr gekko med et skikkelig kabinett er en av de viktigste aspektene ved gekko eierskap. Å bygge en gekko kabinett, vil du trenge noen verktøy, materialer og generell kunnskap om dette lite kjæledyr før du gjennomfører oppgaven. Mange Gekko eiere bruker en pre-kjøpt akvarium, så har denne strukturen i tankene, vil den enkleste gekko kabinett å bygge har fire sider, en bunn og en topp. Disse brikkene er festet sammen som en boks og gi reptil med et trygt og sikkert miljø å leve.

Før bygge en gekko kabinett, vil du trenge en generell forståelse av riktig miljø for disse eksotiske kjæledyr. Gekko er medlem av Egentlige gekkoer familien. Det finnes mer enn 300 arter av gekko som finnes i hele den varme regioner i verden, men bare en håndfull er populære for å holde som kjæledyr øgler. Disse inkluderer den crested gekko, leopard gekko og den gigantiske dagen gekko, for å nevne noen. Sitt eget habitat er varme strøk, så gekko kabinett bør tilby et varmt miljø som er fritt for trekk.

Størrelsen av kammeret vil avhenge av mengden av Gekkoer og deres størrelse i voksen alder. Generelt bør en gekko kabinett for mindre arter som for eksempel leopard gekko være minst 2 meter (61 cm) i lengde. For større arter, eierne må ta hensyn til at reptil vil trenge plass for alle sine fasiliteter og likevel ha nok plass til å bevege seg. Den gigantiske dagen gekko kan nå 12 inches (30,5 cm) i lengde på voksenlivet, noe som krever mer plass enn det som er gitt i en gjennomsnittlig 2-fot (61 cm) bur.

Strukturen i gekko hjem må være helt lukket. Den bør ha en sikker lokk eller topp fordi disse små kjæledyr er kjent for å være gode rømnings kunstnere. Et lokk også er nødvendig for eieren å ha tilgang til innsiden av buret, og når det er nødvendig for buret for å ha en kilde av nødvendig ventilasjon.

Når du bygger kabinettet topp, velge et pustende materiale som et trådnett til å dekke toppen ramme. Den typiske lokket vil ha smale strimler som virker som rammen og skjermen blir deretter festet til rammen. En sikker låsen er nødvendig på lokket for å hindre at reptil flukt og for å hindre andre kjæledyr, som katter, fra å komme inn i gekko kabinett. For å få full glede, bør du vurdere et glass eller akryl fronten slik at gekkoen kan vises til enhver tid.

Den type materiale som brukes for å bygge en gekko kabinett avhenger av eiers preferanser. Wood er en av de enklere alternativer å konstruere i en innhegning, men tre kan bli skadet fra gekko avfall, vannsøl, mat og underlaget. For å lage en hjemmelaget gekko kabinett, akrylplater er en ideell løsning fordi akryl er lettere å jobbe med enn glass. Den klare akryl kan også eiere å se sine kjæledyr uten å åpne lokket.

De akrylplater trenger å bli målt og kuttet til størrelser som trengs og festet sammen på en sikker måte i skjøtene med en tetningsmasse. Husk å bruke ikke-giftige tetningsmidler når tetting hjørner og kanter. Toppen kan være festet med små hengsler på baksiden av kabinettet og en liten sperre festet til fronten. Etter at kabinettet er bygget, er alt som er igjen å legge til gekko nødvendigheter og eventuelle foretrukne tillegg som dekor - og, selvfølgelig, gekko.

Hva er en boksesekk?

September 8 by Eliza

En boksesekk er en sylindrisk luft, fiber, skum eller vannfylt pose som er laget for å slå eller sparke. Bokseballer brukes for boksing og ekteskapelig kunst treningsøkter på treningssentre og i hjemmene. En boksesekk gjør kampsport og boksing entusiaster muligheten til å praktisere sine trekk samt brenne fett, bygge muskler og lindrer stress mens punching eller sparker posen. De to hovedtyper av boksesekk henger og frittstående.

En frittstående stil av boksesekk har en kraftig ramme. Mange av disse rammene holde opp til en £ 100 (45,36 kg) boksesekk. Posen henger vanligvis fra en kjede på forsiden av apparatet. Et stort fotavtrykk, eller base på stativet gir en frittstående boksesekk mer stabilitet. Den hengende type punching posen er veggmontert, med posen henger fra en kjede eller rem fra enden av en metallstråle som støttes av braketter.

Boksesekk kan være laget av lerret, nylon, lær eller vinyl. En stanse pose laget av vinyl kan bli beskrevet som å være laget av "syntetisk skinn" eller lignende begrep. De fleste boksesekker er 14 inches (35,56 cm) bred og lengden varierer med vekten. For eksempel kan en £ 100 (45,36 kg) boksesekk være 48 inches (1,2192 m) lang mens en 30 kg sekk (13.61 kg) kunne måle ca 30 inches (76,2 cm) i lengde.

Speed ​​Posene er boksesekker som er veldig små og teardrop formet. De kan festes til en frittstående eller hengende boksesekk montering. En speed bag brukes av både profesjonelle og nybegynnere martial kunstnere og boksere å øke hastigheten og forbedre timing. Speed ​​boksesekker er ofte luftfylt og som sies å bidra til å forbedre hånd-øye-koordinasjon. Dobbelt end poser er lik hastigheten sekker, men er rund eller marshmallow lignende i form, og har vanligvis en skumfylling.

Fiber-fylt eller ferdigfylt boksesekker er designet for å være spenstig og har en tendens til å absorbere virkningen av et slag mer enn luftfylte eller skumfylte poser. Noen boksesekk har en vannfylt kjerne, laget for å redusere virkningen på kroppen fra konstant punching. En boksesekk kan selges separat, med hengende eller frittstående maskinvare og / eller som en del av et sett komplett med boksehansker. Noen punching bag settene inkluderer en instruksjons-DVD.

  • Bokseballer brukes i boksing og andre kampsport trening.
  • En tung sekk kan brukes av boksere og kampsportutøvere for styrke og kraft trening.

Hva er en vesica Piscis?

July 15 by Eliza

Den vesica piscis er et gammelt symbol som har blitt adoptert av mange religioner, særlig av kristne. Du kan bli kjent med en form av vesica piscis, en fisk som blir ofte brukt som et symbol av kristne, men denne gamle symbol har også blitt brukt av hedenske religioner og matematikere en gang lagt stor vekt på det også. Den vesica piscis har blitt så godt integrert i menneskelig kultur at du kan sikkert finne et eksempel på det i kunst eller arkitektur i din region.

Denne formen er dannet ved å overlappe to sirkler av samme størrelse, slik at omkretsen av hver ring kommer i kontakt med midten av den andre kretsen. Resultatet ser ut som en venn diagram, med en mandel form i midten dannet av de overlappende sirkler. På latin er denne formen kjent som mandorla eller mandel, mens hele figuren kalles vesica piscis, eller "blære av fisken." Den matematiske forholdet dannet var av stor interesse for grekerne, og igjen i løpet av middelalderen, når vesica piscis dukket opp veldig i kunst og arkitektur, noe som reflekterer en fascinasjon med Angient grekerne og romerne.

Det er alle slags symbolske betydninger for de vesica piscis og mandorla. Mange verk av tidlig kristen kunst skildrer religiøse figurer inne i en vesica piscis eller mandorla, for eksempel, og de første kristne identifiserte seg med en liten fisk formet smykke eller brodert motiv da kristendommen ble mislikt i Europa. Hedningene trodde at formen var knyttet til fruktbarhet, som mandorla ser liksom som den kvinnelige reproduktive deler, og dette pekte oval form dukker opp i et overraskende antall plasser som resultat.

I Celtic symbolikk, noen kunstnere skape triquetras, som er laget av overlappende tre mandorlas å skape en trekantet form. Denne hellige form ofte fremstår som et motiv i keltisk smykker og som et dekorativt element i Celtic-arkitektur, og det vises i en rekke former. Noen kunstnere selv lage kors ved å koble fire av disse symbolene; disse korsene er kjent som karolingiske kors.

Som mange figurer med gamle symbolske betydninger, spretter vesica piscis opp i en rekke steder, og det skjer igjen og igjen, selv i kulturer som hadde ingen kontakt med hverandre. Den vanligste forekomsten av denne formen illustrerer den universelle menneskelige fascinasjon med matematikk og forholdstall. Du kan finne de vesica piscis i kunstverk og arkitektur over hele verden. Det viser også opp i sel og logoer, særlig blant kristne organisasjoner, og da er det vanlig å se bare den mandorla.

Hva er Lake District?

July 16 by Eliza

The Lake District er et landlig område av England ligger i fylke Cumbria. Dette området ligger bortgjemt i den nordvestlige delen av England, og det har vært populært med besøkende i århundrer. I 1950, innså den britiske regjeringen verdien av Lake District som et kulturelt og økologisk område, og det begynte å ta skritt for å beskytte den mens også fremme det som en av Englands naturlige underverk. Besøkende til England ofte liker å lage tid til å se Lake District, og regionen er også populært blant briter.

Som man kunne forestille seg fra navnet, har Lake District mange innsjøer, med 15 store innsjøer og en rekke mindre vannforekomster. Området er også hjem til Cumbria-fjellene, som inkluderer Scafell Pike, det høyeste fjellet i England, sammen med en rekke andre kjente topper. I 1951, mye av området ble vernet av regjeringen med etableringen av Lake District National Park, og regjeringen har aktivt fulgt arealbrukspolitikken i området som bidrar til bevaring.

Mange eksempler på landlige livet kan sees i distriktet, som distrikts husene arbeider melkeproduksjon og sau gårder sammen med små lokalsamfunn. Området er også populært for rekreasjon. Folk kan vandre på vidder, som fjellene er kjent, og de kan også sykle på mange sykkelstier, eller svømme og båt i innsjøer i regionen. Lake District National Park er den største nasjonalpark i England, og det er massevis av plass for alle å nyte regionen.

Landskapet i Lake District er robust og det er mange feiende og fantastisk utsikt over distriktet som kan sees fra ulike punkter langs de regionale stier og løyper. Arkeologer er svært aktive i Lake District, og deres nettsteder er ofte åpne for medlemmer av offentligheten som er interessert i den rike historien til Storbritannia. Besøkende kan bo i mange vertshus og seng og frokost, og camping er også tilgjengelig for folk som foretrekker å røff det.

I tillegg til å være kjent for sin naturlige skjønnhet, Lake District har også et formidabelt rykte i de engelske kunst. Wordsworth og Coleridge både skrev mye om Lake District, som gjorde andre poeter som er kollektivt kjent som Lake Poets. Regionen vises også i en rekke malerier, etsninger og tegninger, som det har vært en kilde til inspirasjon for kunstnere i århundrer.

  • The Lake District er hjem til mange sauer gårder.
  • The Lake District er et landlig område av England ligger i fylke Cumbria.
  • William Wordsworth skrev om Lake District.

Gjennom århundrene, har barna lekte med dukker. Fra den enkleste filledukke til den mest sofistikerte designer mote dukke, kan dukker i alle former og størrelser finnes i hjemmene over hele verden. Doll samle er en hobby for de som aldri vokste sin kjærlighet til dukker. Det kan fort bli en besettelse som samleren tilbringer livet sitt på jakt etter dukker som vil gjøre samlingen komplett.

Personer som ønsker å starte en dukke samling kan føle seg overveldet over hvor du skal gå om å velge dukker for sin hobby. Det er viktig at de kunne foreta målinger fra anerkjente kilder om dukke innsamling for å unngå fallgruvene ved å motta unøyaktig informasjon om hobby. Først bør en ny solfangeren gå til biblioteket for å sjekke ut bøker om dukke innsamling. Hvis mulig, abonnere på dukken magasiner som gir leserne med up-to-date informasjon om dukke innsamling, dukke historie, dukke kunstnere, priser og mer.

Når en person har en grunnleggende oversikt over collectible dukker, bør hun gå dukken viser. Noen byer presentere slike utstillinger er åpne for publikum. Deltakere kan vise forskjellige dukker utstilt, møte dukke kunstnere, og kjøpe dukker. Dette er også muligheten til å møte erfarne dukke samlere som vanligvis er ganske fornøyd med å svare på et nytt samle spørsmål om hobby av dukke innsamling. De kan gi verdifulle råd om hvilke typer dukker som er best for en person til å begynne å samle inn og hva du skal se etter når du begynner jakten på dukker.

Dukke samlere bør se overalt for dukker å legge til en samling. Sparsommelighet butikker, garasje salg og loppemarkeder er gode valg for de som ønsker å kjøpe dukker. Mange folk som selger på slike arenaer har ingen anelse om hva de dukker er faktisk verdt. En kunnskapsrike solfangeren kan kjøpe dukker til en god pris, langt under markedsverdi.

En vellykket dukke samler bestemmer hvilke dukker hun ønsker å samle før hun begynner prosessen. For eksempel har noen samlere kjøper dukker laget av bare én bestemt artist. Andre kjøper dukker fra andre land, bare antikke dukker, eller bare mote dukker. Dukke samlere bør tilstrebe å vite så mye som de kan om de dukker de samler inn for å ta kloke beslutninger om dukkene de bestemmer seg for å kjøpe.

Aldri kjøpe en dukke bare fordi det er mistanke om at verdien vil øke med årene. En samler må være lidenskapelig om dukkene hun legger til samlingen sin. Hvis hun ikke elsker dukkene hun besitter, dukke samle raskt blir en byrde, ikke en hobby.

  • Bekymrings dukker kommer fra Guatemala og brukes til å lette barns frykt ved sengetid.
  • Dukke samlere bør skuring garasje salg til dukker.
  • Loppemarked er en god arena for de som ønsker å kjøpe dukker.

Hva Var Summer of Love?

July 3 by Eliza

Som mange popkultur eksperter liker å påpeke, var 1960 et tiår med politisk og sosial omveltning. En voksende segment av den yngre befolkningen ble desillusjonert med konvensjoner og begrensninger rett samfunn, fører noen til å danne en funksjonell motkultur. Summer of Love skulle vise seg å være et vannskille øyeblikk for tusenvis som hadde tatt Dr. Timothy Leary råd til å "skru på, tune inn og slippe ut. ' Andre, inkludert den ordinære reklamebransjen, har kanskje sett dollartegn faller under Summer of Love.

Selv om Summer of Love skjedde ikke før i 1967, Bohemian ånd som inspirerte det var allerede til stede i 1950 Beat generasjon. Poeter, kunstnere og musikere som allerede hadde gjort opprør mot storsamfunnet oppfattet hykleri funnet likesinnede i det spirende hippiebevegelsen på midten av 1960-tallet. I liberale byer som Berkeley og San Francisco, motkulturens bevegelsen fått betydelig momentum og innflytelse. I januar 1967, den første organiserte BE-ins og love-ins ble organisert, ledet av de ikke-voldelige protest filosofier av Mahatma Gandhi og Martin Luther King, Jr. Når vokalist Scott McKenzie sluppet sin sang San Francisco i 1967, rykter av en større kjærlighets i løpet av sommermånedene var frodig.

Det var dette nivået av forventning som fueled Summer of Love maskiner. Motkultur ledere i Haight-Ashbury distriktet i San Francisco var spesielt hardt pressede å planlegge en hendelse i samsvar med Summer of Love hype. Ideen om å faktisk planlegger en "spontan" hendelse som en kjærlighet-in virket spesielt intuitiv. Håpet blant motkulturen publikum var at musikere og andre artister ville naturligvis vandre mot Haight-Ashbury og andre store motkultur sentre. I løpet av våren 1967, selv mainstream nyhetsbyråer og markedsføring strateger hadde tatt en interesse i den foreslåtte Summer of Love. Pynt av hippiekultur nå ble introdusert til massene, til stor skuffelse for hippier selv.

Summer of Love har kanskje ikke vært den kommersielt arrangement noen hadde håpet på, men den har en effekt på mainstream kultur. TV-programmer skjevt mot et yngre publikum begynte å dukke opp. Emner gang ansett som tabu eller kontroversielle kunne endelig bli vist på TV og i filmer. Annonsører ansatt mange av de visuelle og lyriske elementer av motkultur. Selv om mainstream-Amerika ikke kan ha fullt omfavnet hippiebevegelsen, Summer of Love gitt en positiv titt inni hodet av en generasjon gang fryktet tapt.

  • Jack Kerouac var kongen av Beat generasjon, en kulturell bevegelse som ble utviklet før Summer of Love.
  • Summer of Love introdusert hippiebevegelsen til et bredere publikum.
  • Mahatma Gandhis ikke-voldelige filosofier ble tilpasset i løpet av Summer of Love.

Hva er kunst Finance?

December 28 by Eliza

Kunst finans er næringen av finansielle tjenester knyttet til kjøp og salg av kunstverk. Tjenestene omfatter kunst vurdering, personlige shoppingtjenester, kunst forsikring, markedsundersøkelser, kuratoriske tjenester, og kunst sikret utlån. Kunst finans er også kjent som kunst rådgivende.

Kunst finance-tjenester er generelt gitt av private banker, auksjonshus, og konsulentfirmaer. De er markedsført til high-end kunder som er kunstsamlere eller noen ganger direkte til kunstnere. Uavhengige kunst-finans konsulentselskaper bistår klienter på kjøps- og salgstransaksjoner med spesielle formål investeringer, rikdom overføring, og restrukturering av kunst bedrifter og samlinger. Kunst finans ble en betydelig industri i 1980 som populariteten til å investere i kunst vokste. Investering i kunst rent for økonomisk vinning har også vokst, spesielt på den internasjonale scenen.

Begrepet kunst finans kan bety enten prosessen med å anskaffe kunst av finansiering, eller praksisen med å bruke kunstverk som sikkerhet i et lån, kjent som en kunst lån. Kunst lån er ofte kjøpt av folk som ønsker å utnytte en eksisterende kunstsamling for å finansiere nye kjøp. De er også brukt til kunst eiere som ønsker å skaffe seg penger til å dekke en gjeld eller kunsthandlere som trenger midler til å kjøpe nye verk.

Noen ganger er kunst lån strukturert som en omvendt boliglån. Dette gjør en kunst eier å motta månedlige innbetalinger mot verdien av et kunstverk, i stedet for å selge stykket direkte. Dette tillater eieren å unngå å betale en skatt på kapitalgevinster.

Kunst lån er en delikat finansiell investering. Bestemme den absolutte verdien for ethvert stykke kunst er nesten umulig. Mange faktorer spiller en rolle i å bestemme verdien av et kunstverk. Disse faktorene kan endre seg dramatisk over tid, noe som gjør utlån penger mot kunsten en risikabel praksis.

Långivere kan plassere mange bestemmelser i en kunst lånedokument for å redusere den potensielle risikoen. Den utlåner kan kreve en revurdering av kunstverket blir brukt som sikkerhet på et tidspunkt i løpet av låneperioden. Hvis verdien av arbeidet er redusert, kan långiver be om mer sikkerhet eller kreve en delvis tilbakebetaling av lånet.

Å forsvare seg mot en reduksjon i verdien av kunst, vil mange långivere ikke avansere mer enn halvparten av verdien av et stykke. Långivere vil ofte også lade høye renter på kunst lån, vanligvis 3-4 punkter om prime rente. Rentene kan være så høyt som 18% i enkelte tilfeller.

Flere store typer kunst digitale utskrifter har blitt en del av den moderne kunstscenen på grunn av digitale kreative teknologier. Kunst digitale utskrifter, som er av høy kvalitet reproduksjoner av originale kunstverk, kan bli masseprodusert og distribuert mye lettere enn med tradisjonell trykk utskrift. De store stiler av kunst digitale utskrifter inkludere fotografiske utskrifter, giclee eller iris kunst utskrifter, lys-jet reliefftrykk, digitale silketrykk, og lerret utskrifter.

Den vanligste av kunst digitale utskrifter inkludere fotografiske bilder tatt med tradisjonell eller digitalt kamera utstyr. Disse bildene kan redigeres før utskrift, slik at de kommer ut med høyest mulig kvalitet. Fotografiske kunst digitale utskrifter kan også skrives ut i en rekke størrelser og skrives så mange ganger du vil.

En annen type kunst digital print er kunst print giclee eller iris, som er en høy kvalitet digitalt bilde som inkorporerer originale eller montaged kunstverk. Giclee eller iris print er produsert av enten digitalt skanner bilder eller trekke fra digital grafikk for å lage en individuell stykke kunstverk. Når det digitale bildet er ferdig, kan høy kvalitet blekkskrivere skrive det på en rekke digitale papirer eller tekstiler for visning.

Lys jet lettelse kunst digitale utskrifter kan gjengis i masse mengder eller ved behov. Denne stilen av print digital kunst er en favoritt av grafiske kunstnere, masse skrivere og digitale designere som lett kan endre størrelsen og fargene på bildene for å produsere et bredt utvalg av verk. Lette jet lettelse kunst digitale utskrifter med klassisk og begrenset opplag bilder vises også i kunstgallerier.

Mens digitalt silketrykk anses annen form for kunst digitale utskrifter, blir de ofte sett på massemarkedet i form av bærbare moter og bedriftens logo produkter. Den metoden som bildene er overført til stoffet er vesentlig forskjellig med digital silketrykk fra tradisjonelle silketrykk, som bruker en hånd-anvendt strøk maling. Maskiner overføre det digitale bildet i lag med spesielle stoff blekk, som deretter forsegles til tekstiler med en varmeprosess.

Lerret utskrifter er lik silketrykk, bortsett fra en annen metode er brukt for å lage iøynefallende digitale fine art prints. Først blir lerretet behandles og strukket til en flat overflate. Deretter en serie av digitale filer er gått gjennom blekket skriver på lerretet for å lage de ulike farger og teksturer på lerretet. Blekket som brukes på lerret er en fleksibel, kraftig stoff maling som tåler slitasje.

En Liberty Bond var en obligasjon utstedt av det amerikanske finansdepartementet for å finansiere den første verdenskrig. Den første Liberty Bond var ikke særlig vellykket på grunn av manglende interesse, men senere obligasjoner var mer populær takket være en rekke reklamekampanjer. Etter 11 september terrorangrep, ble en obligasjon under samme navn utstedt for å finansiere gjenoppbyggingen av berørte områdene.

Regjeringer ofte utstede obligasjoner for å finansiere kriger fordi kostnaden av militære kampanjer kan dverg alle andre offentlige utgifter. Den første verdenskrig ble anslått å ha kostet den amerikanske føderale regjeringen $ 30 milliard amerikanske dollar (USD). Årlige utgifter på krigen var flere ganger større enn alle andre offentlige programmer kombinert. Ideen bak en krig obligasjon er at finans offer pådratt av innbyggerne vil være verdt de bredere implikasjonene av seier i krigen. Obligasjonene er også en måte som borgere utenfor det militære kan bidra til krigsinnsatsen.

Den første Liberty Bond oppnådde ikke populariteten at regjeringen planleggere hadde håpet på. De endte opp med å selge $ 2000000000 (USD), mindre enn halvparten av $ 5 milliarder kroner (USD) grense. Mange betraktet dette unders som en flau for det amerikanske finansdepartementet. De som kjøpte obligasjonene tjent 3,5% årlig rente, opp til $ 30 000 (USD) som var fritatt for skatt. Obligasjonene ble utstedt i 1917 og kan innløses etter 15 år.

I reaksjon på resultatene av den første Liberty Bond, statskassen organisert en kampanje for å øke populariteten av obligasjonene. Kjente kunstnere var ansatt for å designe patriotiske plakater ringer på amerikanerne for å delta i obligasjonsprogram. Støtfanger klistremerker, knapper og med filmer ble produsert. Endelig kjente filmstjerner og kjendiser vert rally talsmann obligasjonene. Dette arbeidet var i stor grad lykkes, og sammen med de høyere rentene som tilbys, ledet de til en ekstra $ 3.8 milliarder (USD) i obligasjonssalg.

Den fjerde Liberty Bond ble utgitt i 1918, nær slutten av første verdenskrig. Det autorisert salg av en endelig $ 6000000000 (USD). Den innløses periode av obligasjonslånet var i begynnelsen av 1930, under den store depresjonen. På grunn av de økonomiske omstendighetene i denne perioden, var den amerikanske regjeringen klarer å oppfylle de opprinnelige tilbakebetaling vilkår av obligasjonene.

Mer nylig utstedte den amerikanske regjeringen en Liberty Bond å finansiere gjenoppbyggingen av området til det tidligere World Trade Center i New York City. Ikke bare var tvillingtårnene på stedet ødelagt, men mange nærliggende bygninger fikk store skader. Eiendom skade estimater for 11 september terrorangrepene varierer fra $ 20 milliarder til $ 50000000000 (USD). En Liberty Obligasjonen ble utstedt for å skaffe midler uten å pådra seg høye renter av kommersielle bindinger.

  • "Liberty Bonds" bidro til å finansiere USAs militære i World War I.

Hva er en Altklarinett?

May 29 by Eliza

Den Altklarinett er medlem av treblås familie, sammen med de andre typer klarinetter, fløyter, saksofoner, obo og tilsvarende instrumenter. Kroppen ser mye som den mer vanlige sopran klarinett, men Altklarinett er større, lengre, med en hvelvet bjelle på slutten. Den brukes til å følge andre instrumenter i et orkester eller et band. Notene den produserer har en lavere tonehøyde enn en vanlig klarinett, men ikke så dypt som en bassklarinett.

Den Altklarinett fungerer som mange andre medlemmer av treblås gruppen av musikkinstrumenter. Spilleren blåser luft over et munnstykke som har et enkelt rør montert i den. Luften bevirker at reed å vibrere hurtig, noe som resulterer i lyden. Lyden kan gjøres større eller mindre ved musikeren ved å styre strømmen av luft og tetthet av sine lepper. Notater opprettes når spilleren bruker hans eller hennes fingre for å dekke og avdekke hull i instrumentet.

Siden Altklarinett er så stor, kan en person ikke dekke mye av lengden av kroppen av instrumentet med bare hendene. I stedet er en serie med spaker brukes til å kontrollere pads som kan gjøres for å løfte eller slippe etter påtrykk fra brukeren. Når en pute dekker eller avdekker et hull, det påvirker luftstrømmen inne i instrumentet, noe som resulterer i ulike notater. Vanligvis flere taster trykkes samtidig for å produsere hver note. De mange kombinasjoner tilgjengelig tillate det å spille et bredt utvalg av noter.

Den første Altklarinett ble gjort i Frankrike i 1810, tar fingret teknologi av sopranen klarinett og bruke den til større instrument. Den ble brukt i militære band på den tiden, men til slutt ble faset ut som andre instrumenter vunnet popularitet. Til tross for at det har gjenvunnet noe av sin tapte popularitet, har det aldri igjen blitt brukt i den grad det var på begynnelsen av 1800-tallet.

Den Altklarinett er mindre vanlig enn de mindre, mer kjent standard sopran klarinett. Dens dyp lyd er ikke så ofte hørt i high school og college band. Noen kunstnere og komponister finne de rike, mellow toner av Altklarinett behagelig og arbeide for å holde dette instrumentet i live og kjent. Komponister som Leon Dallin, Alfred Reed og George Schwartz skrev musikk spesielt for en duett av et piano og en alto klarinett. Den scenekunstner JD Parran brukt en som hans viktigste instrument for 20 år i hele hans musikalske innslag, bidrar til å innføre utallige mennesker til det.

Hva Er Sand Animation?

June 17 by Eliza

Sand animasjon er en kunstform som kombinerer visse elementer av tradisjonell animasjon og performance å fortelle en historie eller lage en serie av scener gjennom bruk av sand. Dette gjøres vanligvis ved å plassere sand på en overflate og skinner lys gjennom det å projisere et bilde av sanden på en skjerm. Kunstneren kan deretter manipulere sand på overflaten på en rekke forskjellige måter, og de silhuetter laget av sanden lage bilder på den projiserte overflate. Sand animasjon brukes ofte sammen med musikk for å fortelle en historie som utfolder seg som bildene dannet av sand er formet og endret av kunstneren.

Som en grunnleggende konseptet, bringer sand animasjon sammen noen forskjellige former for kunst i en enkelt ytelse. På mange måter er denne type arbeid lik performance hvor kunstneren selv eller seg selv er en sentral komponent i arbeidet som vises. Sand animasjon benytter ofte en klar overflaten gjennom hvilken lampe som lyste og projisert på en skjerm, mye som en overhead som brukes i presentasjoner eller klasserom. Begrepet "animasjon" er passende ettersom figurene skapt av kunstneren endring i løpet av en forestilling, og over flere minutter en historie kan fortelles gjennom en serie bilder.

Musikken er ofte brukt som akkompagnement i sand animasjon, snarere enn fortellerstemme av kunstneren. Forskjellige sanger kan brukes under en enkelt ytelse, og hver sang er vanligvis valgt av en artist for å styrke den emosjonelle innhold og tone i en bestemt øyeblikk. Mens kunstnere kan improvisere og skape nye scener på vilje, er hele sand animasjon presentasjon typisk unnfanget på forhånd. Dette gjør at en kunstner til å fortelle en klar historie under en forestilling, som en scene beveger seg inn i en annen.

Progresjon av bildene er et integrert element til sand animasjon og på hvilken måte en scene endres til den neste er like viktig som selve innholdet. Det ene øyeblikket, kan sand på overflaten lage en silhuett som ligner barn som leker i et felt, og gjennom noen bevegelser av kunstnerens hender disse skjemaene kan bli gravsteiner i en kirkegård. Overgangen fra ett bilde til det neste skaper sidestilling som kunstneren kan bruke til å forbedre hver scene og gjøre en mer kraftfull uttalelse. Disse forestillingene synes å ta på en sekundær liv, som publikum ser på sand animasjon "fyller i" de øyeblikkene mellom bilder for å samhandle med arbeidet og skape personlige mening.